Styl sztuki impresjonizmu

03 kwietnia 2024

Impresjonizm, który pojawił się we Francji w latach 60. XIX wieku, zrewolucjonizował malarstwo poprzez uchwycenie ulotnych efektów światła i koloru. Impresjoniści odrzucili realizm i konwencje akademickie, aby opracować nowy styl skupiający się na ulotnych wrażeniach wizualnych. W tym artykule omówimy główne cechy realizmu.

Impresjonizm w sztuce: Uchwycenie światła i ruchu

Impresjonizm był ruchem artystycznym, który pojawił się we Francji pod koniec XIX wieku. Stanowił on wyzwanie dla tradycyjnych metod i stylów malarskich dzięki nowemu podejściu do przedstawiania światła i koloru. Impresjoniści starali się uchwycić subiektywne wrażenie wizualne chwili i sceny, zamiast tworzyć realistyczne lub realistyczne obrazy. Malowali spontanicznie w plenerze, eksperymentując z żywymi kolorami, wyraźnymi pociągnięciami pędzla oraz nietypowymi kątami widzenia i kadrowania.

Artyści impresjonistyczni, tacy jak Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir i Edgar Degas często koncentrowali się na efektach świetlnych i starali się je odtworzyć za pomocą szybkich, niezmieszanych pociągnięć pędzla o czystym kolorze, które nie były mieszane na palecie. Ich przypominające szkice obrazy mieniły się i wydawały się przesycone światłem. Impresjonizm, choć początkowo kontrowersyjny, obalił sztywne akademickie zasady i klasyczną tematykę, tworząc nowoczesny, efemeryczny portret życia poprzez osobiste postrzeganie natury, koloru i światła. Utorował on drogę dla kolejnych ruchów, od postimpresjonizmu do ekspresjonizmu abstrakcyjnego.

Artyści impresjonizmu

Spontaniczna, ożywiona praca pędzla Claude'a Moneta i studia zjawisk świetlnych ugruntowały wizję impresjonizmu. Pierre-Auguste Renoir stosował pierzaste pociągnięcia i świetliste palety, aby przekazać radość i zmysłowość. Camille Pissarro przyjął naukowe teorie kolorów i techniki pointylistyczne. Alfred Sisley skupił się na zmieniających się efektach świetlnych krajobrazów. Berthe Morisot przekazywała ulotne wrażenia z życia mieszczańskich kobiet.

Edgar Degas uchwycił psychologię i ruch w portretach i tancerzach. Impresjonizm pozostawał pod wpływem codziennych tematów realizmu, intensywności romantyzmu, naturalizmu szkoły Barbizon i kompozycyjnego podejścia japonizmu. Impresjoniści kładli jednak nacisk na nowo obiektywne, naukowe obserwacje, a nie symbolizm czy moralizm, aby uchwycić ulotne piękno natury.

Chociaż wystawiali razem, każdy malarz miał swój własny, charakterystyczny styl i tematy, które eksplorował. Monet starał się uchwycić ulotne światło i kolor, często malując tę samą scenę wielokrotnie w różnych warunkach. Renoir skupiał się na cętkowanym świetle przefiltrowanym przez liście i jasno oświetlone paryskie zajęcia rekreacyjne. Morisot z czułością przedstawiała kobiety i dzieci w życiu domowym. Degas obserwował balet i wyścigi, portretując ulotne chwile poprzez niezwykłe, asymetryczne kompozycje. Pissarro i Sisley rejestrowali atmosferę i światło krajobrazów za pomocą gorączkowej pracy pędzla. Inni znaczący impresjoniści to:

Mary Cassatt: Amerykańska emigrantka, portretowała ciche, wrażliwe sceny matek i dzieci.
Armand Guillaumin: Jego bogate w kolory krajobrazy wykorzystywały krótkie pociągnięcia pędzla i gęstą farbę.
Gustave Caillebotte: Impresjonista pod wpływem realizmu, malował miejskie widoki paryskich ulic i wnętrz.
Frédéric Bazille: Jego uderzające obrazy postaci stosowały luźną pracę pędzla do nietradycyjnych tematów, takich jak chłopi.
Eugène Boudin: Prekursor impresjonizmu, Boudin uchwycił nastrój plaż i portów w miękkich, nastrojowych obrazach.
Édouard Manet: Chociaż nie wystawiał z impresjonistami, Manet był pionierem nowoczesnej tematyki i wywarł wpływ na grupę.
Alfred Sisley. Molesey Weir - Morning, jeden z obrazów wykonanych przez Sisleya podczas jego wizyty w Wielkiej Brytanii w 1874 roku

Techniki francuskiego impresjonizmu

Impresjoniści wprowadzili malarstwo plenerowe, luźną pracę pędzla i palety o wysokiej tonacji, aby uchwycić ulotne efekty świetlne. Krótkie, grube, widoczne pociągnięcia rozpłynęły się w żywe kropki i kreski niezmieszanych kolorów. Kompozycje koncentrowały się na ogólnych wrażeniach wizualnych, a nie na szczegółach. Postaciom brakowało konturów i wtapiały się w otoczenie mieniących się kolorów. Puste płótno pomogło przekazać świetlistość. Rozluźnione, asymetryczne kompozycje tworzyły migawkowe kadry i punkty widzenia. Skupiając się na zmieniających się właściwościach światła i koloru, impresjoniści nadali malarstwu świeżą witalność.

Malarze impresjonistyczni opracowali innowacyjne techniki, aby uchwycić subiektywne wrażenia wizualne światła i koloru. Malowali w plenerze, ustawiając sztalugi na zewnątrz, aby obserwować sceny w naturalnym świetle. Ich płótna były przenośne i można je było szybko ukończyć. Impresjoniści eksperymentowali ze złamanymi kolorami, nakładając niezmieszane pociągnięcia czystego koloru zamiast mieszania na palecie. Z bliska ich obrazy wydawały się surowo malowane, ale z daleka kolory wizualnie mieszały się, dając efekt migotania. Impresjoniści unikali twardych konturów, malując mokre na mokrym, aby zmiękczyć krawędzie. Uchwycili zmiany światła i atmosfery poprzez wielokrotne malowanie tego samego widoku. Charakterystyczne techniki impresjonizmu obejmują:

Krótkie, widoczne pociągnięcia pędzla: Szybkie nakładanie farby za pomocą luźnych, przerywanych pociągnięć, które nakładają na siebie niezmieszane kolory.
Jasne, czyste kolory: Używanie żywych odcieni z minimalnym cieniowaniem zamiast stonowanych, mieszanych tonów. Komplementarne kolory zostały zestawione.
Otwarta kompozycja: Kadrowanie obiektów i postaci przy użyciu nietypowych punktów widzenia zamiast tradycyjnych kompozycji.
Przedmioty codziennego użytku: Przedstawianie zajęć rekreacyjnych klasy średniej, ogrodów, krajobrazów miejskich i życia domowego zamiast tematów historycznych lub religijnych.
Kompozycje asymetryczne: Przedstawianie postaci i obiektów poza centrum lub oglądanych pod dziwnymi kątami w celu oddania spontaniczności.
Ekspresyjne operowanie perspektywą: Manipulowanie perspektywą w celu uzyskania efektu artystycznego, a nie właściwych proporcji, często przy użyciu wysokich punktów widzenia.
Uchwytywanie zmieniającego się światła: Wielokrotne malowanie tej samej sceny o różnych porach dnia w celu oddania światła i atmosfery.
Malowanie w plenerze: Zabieranie sztalug i przenośnych materiałów na łono natury, aby malować sceny dokładnie tak, jak zostały zaobserwowane, bez studyjnej idealizacji.

Dziedzictwo ruchu artystycznego impresjonizmu

Przez obalenie akademickich konwencji impresjonizm utorował drogę sztuce nowoczesnej. Głęboko ukształtował ruchy awangardowe, takie jak postimpresjonizm, fowizm i kubizm. Vincent van Gogh zintensyfikował kolor i pracę pędzla w ekspresjonizmie. Paul Cézanne rozwinął geometryczny porządek i strukturę. Pointillism Georgesa Seurata udoskonalił optyczne mieszanie kolorów.

Henri Matisse i André Derain używali żywych, ekspresyjnych palet fowistycznych. Kubizm Pabla Picassa jeszcze bardziej zdekonstruował formę i przestrzeń. Sztuka współczesna nadal wykorzystuje impresjonistyczne innowacje, od ekspresjonistycznej abstrakcji po oderwany realizm pop-artu. Jego dziedzictwo trwale rozszerzyło pojęcia wolności artystycznej i kreatywności.

Od swoich początków w paryskim malarstwie lat 60-tych XIX wieku, impresjonizm przekształcił estetykę i percepcję w sztuce. Jego wpływ nadal kształtuje ekspresję wizualną i kulturę na całym świecie. Świeża wizja impresjonizmu przetrwała jako szczyt kreatywności i innowacji artystycznych.

🎨 To może być interesujące dla Ciebie: Kto jest najlepiej sprzedającym się artystą wszech czasów?

🎨 Przeczytaj więcej stylów w sztuce.

Popularni artyści