Abstrakte Kunst vereinfacht, verzerrt oder transformiert die sichtbare Realität in grundlegende Linien, Formen, Farben und Texturen. Sie verzichtet auf Konventionen der Perspektive, des Maßstabs und der Erzählung zugunsten von fantasievollen Interpretationen, die universelle menschliche Erfahrungen vermitteln. Indem sie auf beobachtbare Gegenstände verzichtet, erweitert die abstrakte Kunst die traditionellen Vorstellungen über das Wesen und den Zweck der Kunst. In diesem Artikel werden wir die wichtigsten Merkmale dieses Kunststils entdecken.
Abstrakte Kunst: Ideen und Emotionen einfangen
Abstrakte Kunst ist ein Kunststil, der nicht versucht, die objektive Realität genau darzustellen. Stattdessen verwenden abstrakte Künstler Farben, Formen, Linien, Texturen, Muster, Kompositionen und Verfahren, um ihre Wirkung zu erzielen. Die abstrakte Kunst entstand in den frühen 1900er Jahren, als Künstler versuchten, über die realistische Darstellung hinauszugehen und etwas Emotionales, Konzeptuelles, Ausdrucksstarkes oder Visuelles einzufangen. Abstrakte Künstler können Grundelemente wie Linien und Farben herausnehmen und betonen oder die natürliche Welt drastisch in neue visuelle Konstruktionen umgestalten. Ihr Ziel ist es, eine Bedeutung oder ein Gefühl zu vermitteln, Erfahrungen zu schaffen und den Betrachter zu fesseln, indem sie das Wesen eines Themas und nicht nur die Oberflächenerscheinungen festhalten. Die Abstraktion ermöglicht es den Künstlern, Kreativität, Vorstellungskraft und Originalität durch neue visuelle Lösungen und Interpretationen ihrer Themen auszuüben.
Hilma af Klint, Svanen (Der Schwan), Nr. 17, Gruppe IX, Serie SUW, Oktober 1914-März 1915
Definition der abstrakten Kunst
Lassen Sie uns über die Definition der abstrakten Kunst im Detail sprechen. Abstrakte Künstler arbeiten mit sechs grundlegenden Elementen, um überzeugende Kompositionen zu schaffen. Textur verleiht Tiefe und Dimension durch dicken Farbauftrag und gemischte Medien. Linien lenken den Blick des Betrachters und unterteilen die Leinwand in dynamische Abschnitte. Formen und Gestalten sorgen für Struktur, von geometrischen Figuren bis hin zu biomorphen Formen, die an natürliche Organismen erinnern. Werte manipulieren Licht, Dunkelheit und Farbintensität, um Brennpunkte zu schaffen. Die Farbe vermittelt Emotionen durch warme und kühle Farbtöne. Der meisterhafte Umgang mit diesen Elementen ermöglicht es der Abstraktion, ästhetisch zu wirken und viszerale Reaktionen hervorzurufen.
Francis Picabia, ca. 1909, Caoutchouc
Moderne Techniken der abstrakten Kunst
Abstrakte Künstler setzen verschiedene Techniken ein, um die Grenzen der traditionellen Praxis weiter zu verschieben - viele Farbschichten, um Farben zu vermischen und eine betörende Tiefe zu erzeugen. Die Aktionsmaler wie Jackson Pollock machten das gestische, expressive Tropfen und Spritzen von Farbe populär. Mark Rothko leistete Pionierarbeit mit großen, leuchtenden Farbflächen. Die Kompositionen können von geometrischen Rastern über organische Formen aus der Natur bis hin zu spontanen, vom Unterbewusstsein gesteuerten Zufallsarrangements reichen. Auch dichte, sich wiederholende Muster und Motive sind häufig zu finden. Diese Techniken befreien die Abstraktion von den Erwartungen an das, was Kunst darstellen sollte.
Abstrakte Kunst zielt eher darauf ab, eine Essenz oder ein Gefühl einzufangen, als die objektive Realität genau darzustellen. Um dies zu erreichen, setzen abstrakte Künstler eine Vielzahl von Techniken ein, die erkennbare Formen verzerren, vereinfachen, übertreiben oder in ausdrucksvollere, interpretierende oder ungegenständliche Bilder umwandeln. Einige der wichtigsten Techniken, die in der abstrakten Kunst verwendet werden, sind:
Vereinfachung: Die Reduzierung von Darstellungen auf grundlegende Elemente wie Linien, geometrische Formen und flache Farbflächen. Dadurch werden realistische Details entfernt, um sich auf grundlegende Bildbestandteile zu konzentrieren.
Übertreibung oder Verzerrung: Dramatische Veränderung von Linien, Formen, Maßstab, Farbe oder anderen Aspekten einer Form, um eine expressive Wirkung zu erzielen. Natürliche Proportionen werden frei verändert, um bestimmte Qualitäten hervorzuheben.
Willkürliche Farbe: Subjektive Verwendung von Farben, um eine emotionale Wirkung zu erzielen, anstatt sie naturgetreu einzusetzen. Die Farben haben möglicherweise wenig Bezug zu dem, was sie im wirklichen Leben sein würden.
Nicht-objektive Komposition: Komposition mit völlig abstrakten Elementen, die keine tatsächlichen Gegenstände, Figuren oder Szenen darstellen. Die Komposition folgt eher ästhetischen Intuitionen als der beobachteten Realität.
Automatisches Zeichnen: Der Hand erlauben, sich willkürlich über das Blatt zu bewegen, ohne eine geplante Komposition, um das Unterbewusstsein zu erreichen. Bei dieser Technik wird die visuelle Genauigkeit außer Acht gelassen.
Auftragen: Flüssiges Auftragen von verdünnter Farbe, so dass sie die Leinwand in einer organischen, unkontrollierten Weise sättigt und färbt.
Aktionsmalerei: Physikalische Bewegung der Farbe auf der Leinwand, energisch und spontan, mit Bewegungen wie Spritzen, Tropfen und Wischen.
Collage: Einfügen von Fragmenten verschiedener Materialien wie Zeitungen, Stoffen, Fotos und gedrucktem Text, um Texturen, Bedeutungen oder Zufallseffekte einzuführen.
František Kupka, Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuge in zwei Farben), 1912
Berühmte Abstrakte Kunst
Pioniere wie Wassily Kandinsky und Frantisek Kupka schufen die ersten rein abstrakten Gemälde, die Farbe und emotionalen Ausdruck gegenüber der Form betonten. Die Bauhaus-Lehrer Josef Albers und Paul Klee erforschten Geometrie und Farbtheorie durch Abstraktion. In Amerika verfolgten abstrakte Expressionisten wie Mark Rothko und Jackson Pollock einen spontanen, improvisatorischen Ansatz, um das Unbewusste darzustellen. Minimalisten wie Agnes Martin reduzierten die Malerei auf einfache Linien und gedämpfte Töne.
Diese Künstler trieben Bewegungen voran, die die Parameter der Kunst grundlegend erweiterten. Der Kubismus zerlegte Figuren in abstrakte Facetten. Der Futurismus hielt Geschwindigkeit und Bewegung durch dynamische Linien fest. De Stijl verwendete nur vertikale und horizontale Linien, rechte Winkel und Primärfarben. Als diese Bewegungen neue Stile und Techniken entwickelten, blühte die abstrakte Kunst auf.
Fassen wir zusammen. Zu den einflussreichsten Pionieren der abstrakten Kunst gehören Wassily Kandinsky, Frantisek Kupka, Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian und Jackson Pollock. Ihre bahnbrechenden Arbeiten zu Beginn des 20. Jahrhunderts lehnten Darstellung und Realismus ab und erforschten stattdessen die Komponenten und die visuelle Sprache der Malerei selbst. Kandinsky gilt als Schöpfer der ersten rein abstrakten Gemälde. Malewitsch begründete den Suprematismus, der auf elementaren Formen wie Quadraten und Kreisen basiert. Mondrian verfeinerte die Abstraktion durch seine methodischen geometrischen Kompositionen. Pollock entwickelte das Action Painting, das unorthodoxe Techniken wie das Gießen und Tropfen von Farbe verwendet. Weitere wichtige abstrakte Künstler sind:
Paul Klee: Seine poetischen abstrakten Werke zeichnen sich durch kindliche Verspieltheit und symbolische Bedeutung aus. Klee analysierte die grundlegenden Elemente von Linie, Farbe und Muster.
Mark Rothko: Bekannt für seine leuchtenden, farbigen, rechteckigen Gemälde, die Meditation und das Erhabene hervorrufen sollen. Rothko drückte universelle menschliche Gefühle durch Farbe aus.
Lee Krasner: Als Pionierin des abstrakten Expressionismus schuf Krasner lebendige, ausdrucksstarke Leinwände, die mit geschwungenen, leuchtenden Formen gemustert waren.
Helen Frankenthaler: Sie entwickelte die Technik der Farbfeldmalerei, mit der sie stimmungsvolle Farbschleier schuf. Ihre Soak-Stain-Methode beeinflusste spätere Künstler wie Morris Louis.
Ad Reinhardt: Reinhardt reduzierte seine abstrakten Gemälde auf komplett schwarze Leinwände, die Ablenkungen eliminierten und die Aufmerksamkeit fokussierten.
Frank Stella: Seine geformten Leinwände und minimalistischen geometrischen Gemälde betonten die Flachheit und die Eigenschaften des Trägers. Stellas Arbeiten forderten die Abstraktion heraus.
Louise Nevelson: Konstruierte suggestive abstrakte hölzerne Wandskulpturen aus weggeworfenen Objekten und Trümmern aus der städtischen Umgebung.
Ein 1939-1942 in Öl auf Leinwand gemaltes Bild von Piet Mondrian mit dem Titel Composition No. 10
Original Abstract Art & Its Impact
Abstrakte Kunst hat alle kreativen Disziplinen maßgeblich beeinflusst. Sie inspiriert Architektur, Innenarchitektur, Musik und Literatur. Abstrakte Stile dominieren auch die postmoderne und zeitgenössische Malerei, Bildhauerei und digitale Kunst. Diese vielfältigen Anwendungen zeugen von dem grenzenlosen Ausdruckspotenzial der Abstraktion. Nach anfänglicher Skepsis hat sich die abstrakte Kunst in der Kunstwelt und in der breiten Öffentlichkeit durchgesetzt.
Der erfahrungsorientierte, interpretative Charakter der abstrakten Kunst fesselt nach wie vor die Phantasie der Künstler und Betrachter. Ihre Betonung formaler Elemente und emotionaler Inhalte hat die Definitionen von Schönheit, Form und Bedeutung in der Kunst erweitert. Die schöpferische Freiheit, die durch den Verzicht auf gegenständliche Genauigkeit zugunsten einer ausdrucksstarken Abstraktion freigesetzt wurde, führte im letzten Jahrhundert zu unzähligen künstlerischen Innovationen. Solange Künstler nach neuen Wegen zur Erforschung von Vorstellungskraft und Wahrnehmung suchen, wird sich die abstrakte Kunst weiter entwickeln.
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